lunes, 16 de diciembre de 2013

El Hobbit: La Desolación de Smaug (The Hobbit: The Desolation of Smaug, 2013) - Peter Jackson

Parafraseando a Top Gun "!Maldita sea, Peter Jackson, tú ego extiende cheques que tus películas no pueden pagar!"

La Desolación de Smaug nos da la razón a todos los que pensábamos que adaptar en tres películas de el libro de J.R.R Tolkien era excesivo.

Todas las ventajas que tenía la primera parte, excelente ritmo, tono más juvenil, personajes interesantes... se pierden en una trama secundaria alargada en exceso que llega a cansar al espectador, aportando muy poco, o nada, al conjunto de la historia global.

Lo peor de todo es que este film no funciona como película, a lo sumo, como capitulo 2 de algo. Obviamente es lo que es, pero si comparamos con la saga anterior, Las Dos Torres, sí que funciona como como elemento único pese a estar enmarcada por una entrega anterior y otra posterior.

He de reconocer que el primer tercio de la cinta se me hizo amena, mantenía el ritmo y el tono de su predecesora. Curiosamente la parte más fiel al relato original.

Martin Freeman adquiere el protagonismo que merece en esta parte, y no sólo su personaje lidera la acción si no que él mismo como actor pone sobre sus hombros la película, hasta que el bueno de Jackson nos introduce el sopor y el tedio mediante una historia que él cree más importante que la de el Hobbit.

Una vez los protagonistas se cruzan con los elfos y encuentran a Bardo, interpretado por Luke Evans, el guión se enfanga y se entretiene en contarnos la "triste" historia de ciudad del lago, gobernada por un tirano patán, un Stephen Fry que hace lo que puede, así como la desdichada vida de los habitantes, pobres y amargadas personas que temen las represalias a una rebelión.

Así como el pasado de la familia de Bardo, y un absurdo triángulo amoroso entre Legolas, Tauriel (Evangeline Lily) y Kili.

En mi opinión el problema no es "inventarse" cosas aparte del texto original, a fin de cuentas no es una traslación literal, si no la visión de un director, aparte que literatura y cine son dos medios distintos, y lo mismo no funciona en ambos casos. Pero mostrar cerca de 2 horas a una película de casi 3, con tramas secundarias muy mal escritas, con personajes que no sólo no te importan, si no que no están aportando nada, sí.

Parte de la culpa de que poco a poco vaya resultado cada vez más pesada la cinta es la desaparición de Ian McKellen y Martin Freeman de la acción principal, pasando ambos a un segundo o incluso tercer plano.

Relegando dicho papel a Luke Evans, y a la poco creíble e interesante misión de los Elfos Tauriel y Legolas.

Luke Evans es un actor con 0 carisma, y se comprueba que por mucho que alguien esté interesado en hacer carrera con él, no soporta el protagonismo de una cinta de estas características. En cuanto a Orlando Bloom, más de lo mismo.

Lo que en la trilogia anterior no dejaban de ser chispazos de acción, esta vez, dichas escenas en las que Legolas no deja de hacer mil y una piruetas imposibles, y acabar él sólo con incontables enemigos se hacen pesadas. Ya que están insertadas de forma totalmente gratuita para alargar una historia que no necesitaba ser alargada, aparte de estar dirigidas de aquella manera.

Evengiline Lily molesta menos, pero su personaje no tiene un objetivo claro, y al igual que ambos personajes anteriormente citados, no aporta nada que te haga recordar su paso por la cinta.

Una vez dejado atrás el segundo tercio, pasamos casi a la resurrección del ritmo y de las tramas con la escena entre Bilbo y Smaug.

Desafortunadamente tan sólo es un espejismo. Mientras ambos personajes están solos acudimos a una escena bastante buena puramente, casi a la altura del encontronazo en la primera parte entre Bilbo y Gollum. Pero Jackson, empeñado en no dejar que la cinta acabe, mete unas horripilantes escenas de acción entre los enanos, Bilbo y Smaug que terminan de matar una película que estaba gravemente herida pero parecía que podía salvarse.

Las escenas de acción parecen heredadas de las peores entregas de Piratas del Caribe, pareciendo que los personajes más que avezados guerreros sean burdas imitaciones de Pepe Viyuela.

En resumen se salvan de la quema Martin Freeman, quien levanta el film cuando le deja el guión, Ian McKellen que suple con presencia y buen hacer sus pocos minutos en pantalla, y en definitiva la primera hora y poco del largometraje.

El resto es la confirmación de que siempre fue un error convertir El Hobbit en trilogía. Una pena, puesto que a mi humilde forma de pensar, con la anterior entrega lo hicieron bastante bien.

Me queda el consuelo de que las últimas palabras del film dichas por Bilbo: "¡Dios mío! ¿Pero que hemos hecho?", realmente son las de Peter Jackson al ver tal despropósito de película.

Mi nota totalmente personal: 6/10

jueves, 12 de diciembre de 2013

Plan de escape (Escape Plan, 2013) - Mikael Håfström

Durante años estos dos astros de las testosterona estuvieron buscando el proyecto idoneo que los juntara.

Llegaron los finales de los 90, la etapa que casi acaba con la carrera de Sly. Llegaron los 2000 y la carrera política de Arnold.

Finalmente, Stallone resurgió cual fénix de sus cenizas y a Scwarzenegger le volvió a picar el gusanillo de la acción.

Tras el buen rollo mostrado por parte de ambos en la saga mercenaria, ya ha llegado el sueño no sólo de ambos, si no el de varias generaciones de niños criados en los 80/90.

Aunque el trailer ya nos avanza, e incluso el mismo concepto del proyecto, de que va la trama. Esto es un Encerrado conoce Perseguido, más un trama secundaría que a nadie importa, pero que no molesta.

La premisa es la siguiente: Ray Breslin (Sylvester Stallone) es un escapista profesional. Tras varios años de cárcel en cárcel, se hizo autónomo, se montó una empresa y ahora se dedica a ofrecer sus servicios para comprobar que las cárceles de máxima seguridad no tengan fallos. Él se infiltra con un código de excarcelación y su tarea es escaparse de allí.

Un día le llega un trabajo que supone un reto como nunca ha tenido, un trabajo totalmente extraoficial, con una localización desconocido, en el que poca gente aparte de su equipo sabrá que está allí.

Obviamente no la rechaza, y obviamente es un trampa. Allí conoce a Emil Rottmayer (Arnold Schwarzenegger) con quien trabará una fructífera alianza para escapar de dicho lugar imposible.

Ya se puede ver que lo de menos es la trama, una excusa como otra cualquiera para ver a dos de nuestras estrellas favoritas luciendo palmito y derrochando el carisma que ya derrochaban hace 30 años.

La película no se entretiene demasiado, tras una escena de presentación para ver como trabaja Sly, en menos de media hora ya está en la penitenciaria de súper máxima seguridad, y pocos minutos después ya está tramando junto al antiguo campeón de Mister Olympia.

Un ritmo muy bueno e infinidad de escenas destacables, desde las múltiples contiendas que provocan para entrar en aislamiento, hasta las escenas donde el buen Arnold entretiene al personal. En esta ocasión al actor austroamericano le ha tocado llevar el peso cómico de la cinta, teniendo acreditado incluso un "drama couch" para él solo!.

Acompañando al duo protagonista tenemos en un segundo plano a Jim Caviezel y Vinnie Jones. Ambos se nota que están pasándoselo en grande y dan todo por sus papeles, que aunque menos importantes ayudan a que el conjunto sea mucho mejor.

En un tercer plano, y estos protagonizan la trama secundaria que comentaba antes, tenemos a 50 Cent, Vincent D'Onofrio y Amy Ryan. Realmente no están ni bien ni mal, están. Y pese a que esta trama no aporta nada, tampoco molesta y ocupa un mínimo permitido en el montaje final. Por allí también pasa Sam Neil quien será importante para el devenir de la misión principal.

A modo de dirección, Håfström, director de las "entretenidas sin más" Sin Control y 1408, cumple su cometido, haciendo una concesión al fandom en la traca final, con primeros planos a Arnold que hacen recordar sus tiempos de Commando.

Dentro de la liga en al que juega, el film es muy disfrutable, no te engaña en ningún momento, y se toma lo suficientemente en serio para no ser un desproposito. Un guión, que dentro de lo que cabe, no tiene fisuras, preparado para el lucimiento personal de sus estrellas, y sobre todo para el goce de sus fans.

Un perfecto film para aquellos que añoran la acción de los 80.

Mi nota totalmente personal: 8.3/10

miércoles, 13 de noviembre de 2013

Don Jon (2013) - Joseph Gordon-Levitt

Joseph Gordon-Levitt, aquel chico que conocimos en la seríe Cosas de marcianos, que luego se convirtió en el adolescente de películas indie por excelencia para pasar a ser uno de los fijos de Christopher Nolan, se ha lanzado a la piscina,  protagonizando su primer largo como guionista y director.

La premisa es la siguiente: 

Un joven italoamericano, al más puro estilo Jersey Shore, que dedica su vida por y para las pesas, sus amigos, su familia, la iglesia, sus ligues y su porno, decide que quizá el sexo no es tan placentero para él como debería por todas esas relaciones de una noche y se pone en busca y captura de una chica, que noches atrás conoció pero no llegó a nada,  para sentar la cabeza definitivamente.

La pareja tendrá dos problemas importantes, ya que ella sutilmente, o no, le obliga a cambiar su vida, y él es un adicto al porno que necesita su dosis diaria de cine X.

La película, claramente, está contada en clave de comedía, siendo su punto fuerte las interpretaciones de ambos protagonistas y unos diálogos llenos de chispa y mucho ingenio.

Destacando las intervenciones de la familia de Jon, puramente italoamericana, con un Tony Danza pletórico, irreverente y muy metido en su papel, de lo mejor del film, o la hermana, interpretada por Brie Larson (Scott Pilgrim contra el mundo) que realiza una interpretación muda, pero muy significativa para el devenir del protagonista.

Obviamente el tono puede estar más enfocado a "humor de tíos", pero aún así no diría que sus personajes femeninos puedan ser estereotipados, creando tanto para Scarlet Johansson y Julianne Moore unas fuertes personalidades tanto o más marcadas que las de los personajes masculinos.

La historia, por la moraleja que nos quiere enseñar, y quizá por esa historia de desamor extraña, salvado las distancias, podría recordar a una especie de Woody Allen moderno.

El film se zambulle en las motivaciones personales de Jon, y más que una historia de amor, vemos una historia de crecimiento personal como persona que se marca unos objetivos reales, para realmente ser feliz por lo que es y no por lo que quieren que sea.

Quizá el punto más flojo sea a nivel de dirección, donde de vez en cuando vemos alguna escena tipo cámara en mano que no aporta demasiado, pero es cierto que tampoco tiene un tembleque que pueda llegar a molestar su visionado.

El trio de actores principales aporta todo su buen hacer para llevar más alto si cabe a una comedia con unas pretensiones que no dejan de ser las de entretener sin tratar como idiota al espectador.

En definitiva un film muy destacable, que maquilla sus verdaderas intenciones en clave de comedía, pero que dejará satisfecho a quien busque algo más que lo habitual.

Sí ya tenía un buen futuro como actor, sobre todo por la buena capacidad de elección de papeles, Jospeh Gordon-Levitt se muestra, de momento, como un realizador interesante al que poder seguir la pista.

Mi nota totalmente personal: 9.1/10


martes, 5 de noviembre de 2013

Thor: El mundo oscuro (Thor: The Dark World, 2013) - Alan Taylor

Marvel Studios ha pisado el acelerador. Siempre pensando en el mejorar sus productos, han dejado atrás su formula mágica y con esta Fase 2 (Comprendida por Iron Man 3, esta misma, Guardianes de la Galaxia, Capitán América: El Soldado de Invierno y Los Vengadores 2) guste o no el resultado, lo que está claro es que han decidido desligar tramas conjuntas sin olvidar la continuidad, haciendo plausible que todos estos personajes viven en el mismo universo compartido.

Aunque en taquilla la anterior entrega del dios del trueno fue bastante bien, es cierto que la acogida fue en general fría.

Habiendo opiniones dispares que comprendían entre, "pues tampoco ha estado tan mal" y "decepcionante".

Yo, como ya expuse en mi ranking Marvel de este verano, puedes verlo aquí, con todos sus peros me inclino por la primera opción.

Así pues tras el pelotazo económico que supuso el verano pasado Los Vengadores, y el éxito de critica, Marvel Studios, decidió que Kenneth Brannagh se quedara como productor y cediera el asiento de director a Alan Tylor, quien pese a no contar con demasiadas películas como realizador en pantalla grande, tiene una gran carrera como director trabajando para la HBO, habiendo dirigido numerosos capítulos de series tan importantes como Los Soprano, Deadwood, Roma o recientemente Juego de Tronos.

En esta ocasión, vemos a Thor, un año después de la batalla de Nueva York, y tras reconstruir el Bifrost, reunificando los nueve reinos, haciendo valer la ley de Asgard e imponiendo la paz. Loki, está ahora detenido y casi repudiado por sus familiares, recibiendo tan sólo visitas de su madre, Frigga. Y por último a Jane Foster quien todavía sigue buscando la posibilidad de encontrar un agujero espacio temporal con el que pueda encontrar la forma de poder ver a Thor. Descubriendo en el proceso una fuente de poder oculta que hace que despierten antiguos enemigos de Asgard, Malekith y sus elfos oscuros.

Es cierto que en la base, el esquema es similar a la primera película, una raza enemiga de Asgard ansía una fuente de poder para dominar los nueve reinos, las formas no podrían ser más distintas.

Alan Taylor a diferencia de Keneht Brannagh, sabe dirigir escenas de acción, haciendo que todo quede claro y muy espectacular. Pero no sólo le ganaá la partida en este campo, la primera escena que comparten Tom Hiddleston y Anthony Hopkins es mucho más Shakespeariano que toda la película de 2011.

La película no rompe del todo con el tono establecido, si no que es muy continuista visualmente, no cayendo en el error de cambiarlo todo porque no había convencido.

En general tenemos una cinta mucho mejor dirigida, más compacta y con una trama que sabe lo que busca desde sus primeros compases. 

Lo fácil hubiera sido eliminar los personajes de Kat Dennings y Stellan Skargargd, pero no sólo mantiene si no que en esta ocasión aparte de aportar consistencia a la doble trama Tierra/Asgard funcionan perfectamente como alivio cómico, estando en pequeñas ocasiones y no marcando el tono general.

Una cinta que une la fantasía heroica de El Señor de los Anillos, la Ciencia Ficción de la trilogía original de Star Wars con la mitología nórdica versionada por los cómics Marvel, haciendo un combinado que deja un excelente sabor de boca.

En cuanto al guión tenemos un escrito mucho más coral de lo que podría pensarse, haciendo que personajes como Los Tres Guerreros, Lady Sif, Heimdall o Frigga tan sólo presentados discretamente hace dos años, tengan una participación importante en el devenir del largometraje consiguiendo que puedas cogerles cariño y disfrutar con sus apariciones.

Respecto al protagonista, Thor, en esta ocasión se ha hecho un trabajo muy loable, dotándole de carisma, no siendo solo un mazas con un martillo. He de decir que incluso en este aspecto un trabajo un poco superior al ya buen hacer de Los Vengadores. Buen trabajo el de Chris Hemwsorth.

Pese a que Tom Hiddleston vuelve a convertirse en el rey de la pista, esta vez no hay tanta diferencia. Pero es que el bueno de Tom destaca tan sólo con su presencia, no sería descabellado un película para Loki solo.

Natalie Portman y Anthony Hopkins son los que más en automatico pueden estar, pero su profesionalidad les hace estas bastante correctos sin molestar lo más minimo. Respecto al personaje de Jane Foster, me ha gustado que su labor pase de su un simple interés romántico a parte principal y activa en la trama.

Destacar los efectos visuales, muy realistas y con mucho maquillaje, tanto para los personajes de los elfos oscuros como para alguno que otro. Menos mal que este arte todavía tiene defensores y no todo se soluciona mediante el cgi.

En definitiva una película de palomitas muy recomendable, tanto si eres fan de los cómics, como si no. E incluso un film muy disfrutable aunque no salieras contento con el resultado de la anterior película.

Mi nota totalmente personal: 9/10

sábado, 2 de noviembre de 2013

Sólo Dios perdona (Only God Forgives, 2013) - Nicolas Winding Refn

Habiendo picoteado tan sólo en la filmografía de este hombre, puedo asegurar que se está convirtiendo en uno de mis directores contemporáneos favoritos.

Nicolas Winding Refn, a quien conocí en 2011 con su obra maestra Drive, claramente no se deja imbuir por convencionalismos, e historias lineales fáciles de seguir.

Siendo la mentada Drive, la película más "normal" que que tiene en su haber, y seguramente así será durante mucho tiempo.

Winding Refn, también guionista de la mayoría de sus filmes, suele crear tramas muy básicas que engalana mediante su fantástico buen hacer como realizador, insinuando más con los hechos que hacen sus personajes que con lo que realmente te cuentan los mismos.

En esta ocasión, la trama parece que gira sobre el personaje de Ryan Gosling, Julian, quien junto a su hermano, tiene un club de Muai Thai aparte de ser unos narcotraficantes en Tailandia.

Tras la muerte de su hermano, quien había violado y asesinado a una cría de 16 años, la madre de ambos viaja hasta el país oriental buscando venganza, pese a que Julian le advierte que lo sensato es dejar todo como está ya existen demasiadas variables.

El argumento podría ser desde una película noir, hasta una de artes marciales, pasando un drama intimista, Sólo Dios Perdona, es todo y nada a la vez.

La película va avanzando a golpe de planos muy bien compuestos. Planos muy largos, Winding Refn  sin llegar ni mucho menos al estilo Leone, aguanta las escenas todo lo que puede, haciendo que todo se cocine a un ritmo muy lento, para que el espectador vaya componiendo las piezas con lo que la pantalla te va mostrando, una mirada, algunos gestos, o una simple puerta que no te deja ver que oculta tras de sí. 

Una iluminación que juega mucho con claro oscuros, sólo que aquí los claros son luces de neón, dándole a todo un toque muy extraño a la par que atractivo que nos da la sensación de estar vislumbrando una película totalmente oriental.

Los actores, por orden de dirección, son todos casi un témpano, interpretando de una manera totalmente muy por bajo y muy contenida, sobre todo Ryan Gosling. Haciendo que Julian siempre esté reprimiendo los sentimientos que quiere mostrar. Sólo mediante sus ojos somos conscientes de lo que este hombre realmente siente.

Haciendo mucho más intensas las escenas en la que este hombre se desata.

La película es prácticamente muda, el único pesonaje de los tres principales que realmente habla, es la madre de Julian, Kristin Scott Thomas, a quien yo jamás la he visto con tanta fuerza en pantalla, resultando el personaje clave para que se desencadene todo. Y no sólo eso, ya que aunque parezca que este personaje está fuera de lugar viendo el aspecto calmado y tranquilo del resto de personajes de la película, es un perfecto contrapunto, y gracias a ella somos conscientes, mediante varias de sus frases, aunque jamás te lo digan de forma clara y concisa de por qué Julian le hace caso y de eventos del pasado que ellos tienen en común.

En cuanto al tercer en discordia, Vithaya Pansringram (Chang) Nicolas Winding Refn crea un personaje totalmente aterrador pese a su físico a primera vista enclenque y afable, haciendo que sea, otra vez, su mirada lo que refleje su verdadero carácter.

Una película, nada comercial, nada fácil, donde los puntos fuertes son los actores y la dirección no solo del film si no de los mismos. Seguramente la fama de Drive hará que mucha gente la espere con ganas y puedan salir decepcionados ya que nada tiene que ver con esta cinta, siendo mucho más parecida a Valhalla Rising, comentada aquí, en forma.

Por último, ya habiendo destacado la excelente dirección, y las fabulosas interpretaciones, resalto la banda sonora, llena de sonidos tenues que acompañan a la perfección a la poesía visual que el director propone.

Mi nota totalmente personal: 9.1/10

miércoles, 30 de octubre de 2013

El mayordomo (The Butler, 2013) - Lee Daniels

Tras la exageradamente tragica y penumbrosa historia de mil y una tragedias urbanas que todas le ocurren a la misma chica en  Precious (al final sólo faltaba que le cayera un yunque y la banda del pueblo pasara por encima de ella), Lee Daniels parece haberse calmado un poco y nos presenta un drama menos cargado y más comedido.

El Mayordomo es el biopic de Cecil Gaines, un hombre que estuvo a las ordenes de varios presidentes de Estados Unidos, empezando por Eisenhower hasta los días de Ronald Reagan.

A través de los ojos de este personaje que empezó trabajando en granjas de algodón y de su familia, Lee Daniels nos cuenta la historia de los derechos civiles de los negros a lo largo de dichas décadas ya comentadas.

Una de las mayores ventajas de este film, claro favorito a las nominaciones a los próximos Oscar, es su ritmo.

Una película que dura la friolera de 132 minutos y no se te hace larga me parece muy digno de mención. El montaje es muy dinámico, montado de una manera muy clásica, pese a que a veces las transiciones son algo erráticas, teniendo la sensación de que algunas escenas no casen con las anteriores.

Para muestra un botón: En un momento dado uno de los hijos de Gaines está en una reunión de los Panteras Negras, esa escena rompe con todo el clasicismo de la dirección pasando a ser totalmente una mini película Blaxploitaton. Pero no se me entienda mal, no me parece que dicha escena está mal rodado o mal interpretada, al contrario, fue una grata sorpresa, pero como digo está algo metida con calzador. 

En general ese sería el gran fallo, habiendo de vez en cuando escenas que parecen piezas de distintos puzzles.

El otro punto flaco sería el maquillaje, dando la sensación de haber contratado a chicos de practicas para estas labores. 

La elección de los interpretes es un quien es quien de Hollywood, apareciendo y desapareciendo gente como Cuba Gooding Jr, Terrence Howard, Lenny Kravitz, Robin Williams, James Marsden, Liev Schreiber, John Cusack, Alan Rickman o Jane Fonda.

En general no desentona ninguno, todos bastante correctos, con un Forrest Whitaker algo por encima del resto, un hilarante John Cusack con nariz de payaso haciendo de Nixon o un pasado de vueltas Cuba Gooding Jr., actor que empezó y acabo su carrera el mismo año.

La cinta pese a  los hechos dramáticos que narra y la propia crudeza de los mismo, consigue imprimir un tono amable y de superación personal.

Un film muy demócrata, lleno de valores positivos hacía el futuro, y una oda a los caídos durante la revolución racial. 

Aunque a veces cae en excesivos clichés, justo lo que pretende no hacer, es una película recomendable, de las que suelen gustar porque sí.

Mi nota totalmente personal: 7.8/10

sábado, 12 de octubre de 2013

Gravity (2013) - Alfonso Cuarón

Alfonso Cuarón es uno de estos directores que se prodiga en contadas ocasiones, pero siempre suele ofrecer algo más.

Incluso en un encargo como fue Harry Potter y el prisionero de Azkaban, realizando la que a mi modo de pensar es la mejor entrega de la franquicia del niño mago.

Esta película es una de estas en las que es mejor saber poco de ella y disfrutar con la mente abierta del espectáculo cinematográfico que nos propone el realizador.

La trama es bien simple, unos astronautas están realizando una misión para la NASA cuando unos escombros de un satélite colisiona con ellos haciendo que estos queden sin comunicación con Houston y la astronauta Ryan Stone quede a la deriva en el espacio abierto sin apenas oxigeno.

Normalmente cuando tienes este tipo de proyectos con un casting reducido, en esta ocasión tan solo contamos con George Clooney y Sandra Bullock, o cuentas con un poderoso montaje y una narrativa que ayude al dinamismo o se convierte en un espectáculo tedioso y soporífero.

Por suerte no sólo se da la primera de las opciones, si no que nos encontramos seguramente con una de las películas más destacadas del año.

Entre los mayores aciertos, como ya he dicho antes, tenemos un montaje dinámico mediante una narrativa muy clásica y una muy buena transición entre escenas que hace que todo vaya hilvanado a la perfección.

La escasa pero bien aprovechada hora y media del film está llena de tensión dramática dando la sensación de estar dentro de la misma historia que se nos está contando, sufriendo el miedo y el agobio que la protagonista sienten.

A destacar el plano secuencia del inicio de una duración de cerca de 15 minutos donde vemos la estación espacial que están arreglando el trío de astronautas, a la vez que vamos viendo las funciones que los mismos llevan a cabo, mientras escuchamos la hilarante conversación que mantiene Kowalski (George Clooney) con los controladores de la NASA.

Siendo este personaje bastante clave para el desarrollo de la historia.

Sandra Bullock da todo lo que puede ofrecer, actuando tan sólo con sus gestos y su facciones faciales, ya que durante la mayor parte del film, lo único que no es CGI son los rostros de ella y de Clooney.

Que dicho sea, me parece mucho más difícil fingir estar haciendo cosas en un entorno cerrado, que estar en un decorado en el calor del rodaje. En ese sentido, ambos superan la prueba con nota. Quizá Clooney con algo más, ya que su personaje le viene como anillo al dedo, siendo una extensión de la personalidad que él mismo suele ofrecer a los medios.

Salvo una escena en concreto casi hacía el final y salvando algunos detalles que no dejan de ser suspensión de la incredulidad, la cinta es una historia muy cruda alejada del genero de la ciencia ficción. A pesar de estar ambientada en el espacio, no deja de ser una historia tirando a realista.

En cuanto a los efectos digitales, los mismos son bastante superiores a lo que podía esperarse, y aunque yo soy mucho más fanático de los entornos reales para lo que se está contando y dado el buen resultado, apoyo la forma en la que está rodada la película. También decir que la película está rodada en 3D real y no es una reconversión como la mayoría de las cintas estrenadas a raíz del fenómeno Avatar.

Se nota que este aspecto está muy cuidado, y pese a no ser necesario, quien se atreva a verla en este formato disfrutará más del entorno que nos propone Cuarón. Por lo que sí que recomiendo verla de esta forma.

En definitiva una película muy bien rodada que nos deja con un buen sabor de boca, pudiendo gustar a un sector de público muy amplio.

Mi nota totalmente personal: 9.1/10

jueves, 10 de octubre de 2013

John Dies at the End (2012) - Don Coscarelli

Sin ningún tipo de referencia o idea de lo que iba a visualizar, ni corto ni perezoso, me dispuse anoche a visualizar está película con al menos la esperanza de pasar un rato divertido con un espectáculo que con su póster parecía que sería como poco algo diferente a lo habitual.

El film, dirigido por el creador de la divertida y curiosa Bubba Ho-Top, que era un homenaje al cine de terror ochentero con unos falsos, o no, Elvis y Kennedy, empieza con una descolocante secuencia donde el protagonista mediante voz en off te cuenta lo extraño de tener que matar y rematar a un gigantesco nazi mientras has de reparar el hacha que has usado para ello, mientras que esperas que vuelva de la muerte a por ti.

Con este comienzo reconozco que me tuvieron y llegué a pensar que iba a ver algo digno de recomendar a conocidos y amigos.

Tras este prologo, empieza la verdadera "trama", donde nuestro protagonista le cuenta al personaje de Paul Giamatti como ha llegado a tener una especie de súper poderes extrasensoriales mediante una droga llamada "salsa de soja".

Tras una hora de alocadas escenas, bizarrismos varios, en el significado más británico de la palabra, y una trama que pese a no contarte demasiado veías que el guionista tsí enía una historia que mostrarte... ves que todo lo que pensabas era falso.

A partir de este punto el guión empieza a hacer aguas y los clichés empiezan a surgir. La idea que te proponía el realizador se torna en algo que huele a desgastado, convirtiéndose en desenlace atropellado con falta del carisma mostrado en sus primeros compases de película.

En una de las primeras escenas, vemos como el protagonista, el sr. Wong, acude a ayudar a un amigo, que le ha llamado con delirantes códigos, que no dejan de significar ven  trae cerveza, para al final acabar tratando con un monstruo hecho con comida, realizado con maquillaje y animatronicos, que acabará siendo lo mejor de la película.

Frases citadas por John como "Mis llamadas las recibirás a lo largo de los próximos 8 o 9 años, y parecía que entrabas en pánico", repito, auguraban un film a destacar entre el panorama más alejado de tradicionalismos del cine contemporáneo.

El film, desde la dirección, pasando por los actores, salvo Giamatti, y llegando al guión acaba todo en nivel que llega a la corrección, sin más.

En el apartando tecnico, sí que destacaría el maquillaje y algunos efectos que están muy bien, siendo esa, y la primera mitad, la gran baza para que no llegue a suspender el film.

Una cinta con ínfulas de Gran Lebowski, que acaba quedándose sin ideas y llega a tirar a la basura las que aportaba cuando todavía le importaba mostrar algo sorprendente.

Mi nota totalmente personal: 5/10

lunes, 16 de septiembre de 2013

Dragon Ball Z: Battle of Gods (2013) - Masahiro Hosoda

5 años después de llegarnos el especial de 30 minutos con argumento de Akira Toriyama, Son Gokuh y sus amigos, y 18 años después del fin del manga, finalmente Toriyama ha se involucrado como nunca antes lo había hecho en un producto audiovisual basado en su obra.

Haciendo los diseños de los personajes, aparte de los villanos nuevos, ha rediseñado a los personajes más clásicos, ha participado en el argumento del film y básicamente en todo el proyecto desde el inicio, reconociendo que ha tenido que repasar su obra ya que la tenía olvidada desde que pudo finalizarla.

La holgazanería del buen Toriyama así como su mente dispersa es bien conocida por sus fans, ya que nunca la ha ocultado.

Para situarnos, esta película, al contrario de las anteriores, es totalmente canónica respecto al manga. Ambientada entre los 10 años que pasaron entre la batalla contra Boo y la aparición de Oob y final de la serie.

La trama es la siguiente: Son Gokuh anda entrenándose en el planeta de Kaitoh, cuando este se da cuenta que Birusu, el Dios de la destrucción, ha despertado de un largo letargo y ha sido informado de la existencia de un Saiyan muy poderoso que ha sido capaz de acabar con Freezer. 

Este menciona que seguramente ha de ser un Súper Saiyan God, y puesto que su función es mantener el equilibrio mediante la destrucción, localiza a Gokuh y va a por él.

Mientras tanto en la Tierra, Bulma está celebrando su cumpleaños, habiendo invitado a todos los amigos y personajes que se han ido juntando desde Mutenroshi hasta Mr. Satan. En dicha fiesta, donde se va a celebrar un Bingo con varios premios, entre ellos un castillo o las siete bolas de dragón, Pilaf, Shu y Mai, los primeros enemigos de toda el manga, hacen acto de presencia, pero estos han rejuvenecido, y como no, planean llevarse las bolas de dragón e invocar a Shenron.

Como puede observarse, tenemos las dos variables en lo que ha sido la historia de Dragon Ball, el humor ingenio con personajes imaginativos, absurdos dentro de situaciones cómicas y delirantes, y la epicidad de las batallas en la que viró a partir de la llegada al universo DB de los Saiyans, y que duró hasta la saga de Boo, aunque aquí Toriyama ya empezó a volver a los orígenes más cómicos y menos serios y sangrientos.

Avisados quedáis que pese a estar ambas vertientes, la parte cómica que nos recuerda a los orígenes está infinitamente más presente, dejando las batallas en un segundo plano. En mi caso, no lo veo como un pero, si no como una muy grata ventaja y sorpresa, ya que siempre he sido, pese a gustarme por igual, más fan de la primera etapa, siendo el humor Toriyama, una de mis grandes filias.

Yo, gran fan de la obra de Toriyama desde mi más tierna infancia, he disfrutado de esta obra como nunca, emocionándome con las batallas, riéndome con la multitud de gags que puedes encontrar de la mano de Mr. Boo, o la banda de Pilaf, incluso con Vegeta.

El tratamiento de los personajes, aunque la mayoría no dejan de estar de fondo, es muy correcto, siguiendo el canon establecido por Toriyama la última vez que los tocó. Vegeta ya no es del todo ese orgulloso guerrero sin sentimientos, ya que la vida en al Tierra, así como formar una familia ha hecho que haya cambiado, Piccolo Jr. mantiene su nuevo rol de sabio guerrero, Son Gohan continua siendo ese muchacho torpe y falto de experiencia en la lucha, ya centrado en sus estudios de medicina y a punto de tener una hija, así como Krilin y Yamcha hace tiempo que han aceptado que ya no pueden competir con Son Gokuh y su familia, y se dedican a disfrutar de la vida lo máximo posible, no así Ten Shin Han, que sigue siendo el primero que ataca aún sabiendo que no tiene nada que hacer, o Bulma quien sigue siendo la máxima autoridad en la familia Dragonballiana, que mantiene su mal carácter, un personaje que maravillosamente ha sabido hacerse un hueco siempre entre todos los poderosos guerreros que han ido apareciendo y siendo uno de los pilares básicos de la obra.

Cierto es que esto no dejan de ser pinceladas, ya que de todos los personajes que he mencionado, pocos  aparecen demasiado, estando más para cumplir el ansía del fan de poder verlos a todos, más de poder tener peso en la trama. Algo que no deja de ser normal, puesto que aquí tan sólo tenemos 1h 30 para volver a este universo, y varias cosas que contarnos. 

El film huye de las formulas establecidas en anteriores películas, donde malo de turno llega sin objetivos distintos a destruir o matar, y los personajes son apalizados hasta la llegada de Son Gokuh quien gana al adversario. (Aunque es cierto, como he comentado antes que salvo Vegeta, el resto de guerreros duran menos que un bufido).

En esta ocasión la pelea entre Son Gokuh y Birusu es totalmente distinta a vistas anteriormente, demostrando el gran luchador que es nuestro Saiyan favorito, que es capaz de adaptarse a las adversidades y luchar no sólo por gusto, si no por el sano objetivo de cuidar de los suyos. Una capacidad que le hace progresar como combatiente y le hace sacar fuerzas de flaqueza.

Aún con todo, creedme que el final es bastante sorprendente, no siendo una clásica pelea de las que todos hemos presenciado una y otra vez donde Son Gokuh acaba ganando en el último momento.

Ya finalizando, la leyenda del Súper Saiyan God que se integra en el universo DB está bastante trabajada, y todo augura que seguirá siendo el McGuffin de las siguientes películas que parece que van a venir, ya que aunque la trama queda totalmente finalizada, ciertos dialogos, y el final del combate augura continuación.

Mi deseo sería que ocurriera ya con Oob y Pan como coprotagonistas para terminar de eliminar Dragon Ball GT. 

En cuanto a los apartados técnicos, la animación es bastante buena, se nota que han mimado mucho este producto, fusionando los diseños clásicos de Toriyama con los movimientos y el simplismo de las nuevas generaciones de dibujos. Algunos fondos en 3D que no están demasiado bien integrados, pero se perdona porque tampoco molestan en exceso.

Un buen producto dirigido para aquellos fans de Dragon Ball que nos criamos con esta deliciosa y magnifica serie.

PD: Aunque la pelea lleva a los contendientes por la ciudad, ni un sólo edificio queda destruido habiendo 0 victimas por daño colateral... eh, Zack Snyder

Mi nota totalmente personal: 8/10

jueves, 5 de septiembre de 2013

Kick-Ass 2. Con un par (Kick-Ass 2, 2013) - Jeff Wadlow

3 años después de trasladar la novela gráfica de Mark Millar y John Romita Jr. nos llega al fin la adaptación de la segunda parte del cómic homónimo del superheroe adolescente sin superpoderes.

La premisa es llevar un poco más lejos el concepto de héroe urbano con el humor macarra, salvaje y violencia cómica y exagerada que proponía la primera entrega.

En esta ocasión Dave le propone a Mindy que lo entrene para ser más capaz y esta a cambio le pide ayuda para poder encajar en la vida de instituto que es algo totalmente nuevo para ella.

La trama se complica cuando esta le promete a su padastro, antiguo compañero de trabajo de su padre, que no volverá a actuar como Hit-Girl y Kick-Ass acaba encontrando un supergrupo de gente a modo de Liga de la Justicia o los Vengadores low cost para seguir ayudando al ciudadano de a pie.

De fondo la "amenaza" de Chris D'Amico quien adopta el rol de "El Hijoputa" y sólo quiere venganza por la muerte de su padre, reuniendo un atípico grupo de super villanos.

En esta ocasión esta película adapta 2 miniseries, Kick-Ass 2 y Hit-Girl ambas de los mismos autores del primer Kick-Ass, los antes mentados Mark Millar y John Romita Jr.

Como adaptación realiza el mismo ejercicio que la película de 2010 de Matthew Vaughn, cogiendo la misma historia y quitarle el tono seco, sombrío y más "realista" para dotarla de más comicidad de la ya expuesta, aunque sean cómics crudos tienen su parte cómica, pero en ambas ocasiones sus versiones fílmicas tiran más del recurso de convertir la violencia en un chiste o rodearla de ellos, así la misma acción pasa de ser violenta a ser cómica. 

A mi personalmente no me molesta este cambio, y disfruto tanto de los tebeos como de las películas como productos totalmente distintos. 

Es más, valoro ese esfuerzo como forma de combatir la censura de Hollywood, ya que al fin y al cabo se muestra la misma historia con un cambio de tono que favorece a la película como producto que se diferencia de su material original y a la vez respeta el mensaje y los personajes.

Kick-Ass 2 no es ni mejor ni peor que su antedecesora, juega en la misma liga y consigue los mismos resultados. Puede quizá que el efecto novedad se haya perdido y que está use más el efecto salvajada, pero no por ello considero que pierda fuerza. Ademas, aquí tenemos villanas de instituto, un concepto que se usa de forma paródica y queda muy resultón al contrastarlo con la forma de vida que siempre ha llevado nuestra Hit Girl quien intenta hacer de Jane Goodall para poder integrarse en una vida que no termina de entender. Aparte de chistes de vomitonas al estilo "Este chico es un demonio 2".

Aunque por los trailers y avances que se iban viendo, e incluso las declaraciones de Mark Millar, o la incipiente popularidad que ha ido cogiendo estos años Chloë Grace Moretz, parecía que realemente íbamos a ver una película de Hit-Girl con acompañantes... finalmente esto no ha sido así, siendo un protagonismo bastante repartido entre esta y Kick-Ass, siendo este quien va haciendo que la trama avance.

En cuento el cuarteto protagonista, Chloë Grace Moretz es quien se lleva la palma y acapara todas las miradas. Aaron Taylor-Johnson continua siendo un chico con carencias pero que en este tipo de cine hace que el personaje funcione.  Christopher Mintz-Plasse le dota de comicidad a la cinta, siendo el personaje que más cambia respecto a las viñetas. Haciendo de un malo que en el fondo no puede caernos mal en la vida.

Por otra parte tenemos al gran Jim Carrey, actor mucho más polivalente de lo que su filmografia de los 90 nos recuerda, esta muy imponente. Y aunque en esta ocasión no está tan excéntrico como suele estar en sus comedias, dota con presencia y carisma sus apariciones, haciendo del Coronel Barras y Estrellas un personaje muy remarcable.

Una película que irradia buenrollismo a pasar de todas las salvajadas y crudos acontecimientos que les suceden a los protagonistas. Un perfecto entretenimiento que sin ser una cinta que no destaca por su dirección, compensa estos "defectos" con una banda sonora llena de sonidos dinámicos y de cultura pop que acompaña muy bien al montaje del producto final que estamos viendo, manteniendo algunos de los sonidos que ya aparecían en la primera parte.

Mi nota totalmente personal: 7.9/10

jueves, 29 de agosto de 2013

Especial post 100: Mi película favorita - Pulp Ficiton (1994) - Quentin Tarantino -

Celebrando que este pequeño pero bienintencionado blog ha llegado a la cifra de 100 post, se me ha ocurrido hablaros de la que es mi película favorita de todos los tiempos y el porqué.

Ahora es mi turno, pero más adelante mis amigos y ocasionalmente colaboradores, Balarius y Potto Pandemia os ofrecerán cuales son las suyas.

Como siempre mi intención no es sentar cátedra sobre nada, tan sólo soy un aficionado al cine al que le encanta hablar sobre él. Sin más dilacion, espero que disfrutéis el post.



Mi película favorita por Pablo Cózar :


- Pulp Fiction de Quentin Tarantino

Ya comenté en mi reseña de Django Desencadenado como conocí a este, mi director favorito, y la que para mi es su obra maestra.

Pulp Fiction es para mi la autentica definición de lo que es cine. Aquí la trama, aunque muy poderosa, es una excusa para mostrarte las filias cinematográficas que Quentin te quiere mostrar.

Tarantino con su segundo largo homenajea no sólo al cine más puramente setentero, si no también a una forma de literatura ya casi perdida, las revistas pulp y novelas que se leían segmentadas por capítulos en las mismas.

Dentro de todas las virtudes que tiene Q como cineasta, yo destacaría 2 por encima de todas. Uno, el arte de escribir diálogos y dos, saber exprimir a cualquier actor que se ponga delante de su pantalla. Y en este film, ambas cualidades es donde están más patentes. 

Para empezar, el film comienza queriendo deshubicarnos. Asistimos a una charla entre Pumpkin  y Honey Bunny, la conversación ya estaba empezada cuando entra la escena, pero con un par de frases el espectador ya se ha cogido al hilo, ya sabe a que se dedican ellos, e incluso puede empatizar con los personajes ya que sientes que los conoces de toda la vida. Esto, que es extrapolable a todo el film, se debe a la forma tan natural de escribir diálogos que posee Tarantino. Pero no sólo conversaciones amenas podemos ver, Tarantino es un tipo que antes de escribir un guión, lo primero que hace es crear a sus personajes, les crea un trasfondo y una historia para poder mostrarte la parte que a él le interesa que veas. Sabe como se comportan, como piensan y sobre todo como hablan. Ahí tenemos aparte del ya comentado, el dialogo entre dos compañeros de trabajo antes de empezar su jornada, distendido y desenfadado, el dialogo entre dos personas que no se conocen de nada y que se se esfuerzan en sacar tema de debate para no caer en incomodos silencios, o como un rudo boxeador de la vieja escuela se transforma casi en un oso amoroso al lado de su amada mujer, dejando sus modales de perdonavidas para convertir su léxico en cursis piropos y palabras bonitas para su "carita de fresa".

Pulp Fiction nos introduce en una especie de universo compartido entre criminales, donde cada uno de los personajes que lo habitan pueden pasar de una historia a otra sin perder un ápice de veracidad. Y aunque todo mantiene una unidad muy cohesionada, es cierto que cada una de las tres historias de las que somos testigos lleva un tono distinto que hace que el ritmo del conjunto de la película no decaiga en ninguno momento.

Una de las grandezas del film es que sabe muy bien como utilizar la violencia que se muestra en pantalla, habiendo momentos donde ha de ser heroica, otros donde ha de ser realista, y otros donde no es más que un alivio cómico para restar la tensión que los personajes de Jules y Vincent están viviendo. En las dos primeras ocasiones Tarantino es escueto y usa su manejo de la cámara para enseñarte detalles y esconderte otros (por ejemplo nunca vemos en plano como la Katana de Butch corta y atraviesa a Maynard) y en el último uso sí que usa la sangre de forma explícita cuando revienta la cabeza de Marvin.

Como bien digo, Pulp Fiction, pese a tener escenas de gran tensión, escenas (pocas) de acción y varios tiroteos, no deja de ser un magnifico ejemplo de como avanzar un trama a golpe de dialogo, porque cualquier palabra que puedan decir Jules, Vincent, Butch o Marcellus Wallace tienen un impacto de gran importancia no solo para el devenir de los personajes si no también en las consecuentes acciones que los mismos puedan realizar.

"Cuando me preguntan a que escuela de cine fui, yo les contesto: fui al cine", Quentin se ha cansado de decir que él es autodidacta. Se ha pasado la vida viendo todo tipo de cine,  aprendiendo que es lo que funciona y que no. Algunos dicen que plagia, otros dicen que homenajea, no voy a entrar en ese manido debate. Pero es cierto que Tarantino tiene una de las mayores culturas cinematográficas que puedan existir, y desde luego cuando tiene que realizar una toma accede a su memoria para ver cual es la mejor manera de rodar lo que pretende rodar.

En este film, la cámara podría decirse que es un personaje más, los planos están compuestos de una manera cuasi perfecta para que nada desentone y todo tenga una armonía visual que encaja como un rompecabezas. No le teme a los planos secuencia, aprovechando el recurso para las escenas de mayor tensión, como pueden ser la búsqueda de la adrenalina en casa de Lance, mientras Mia yace en la moqueta de su casa, o el atraco del desayuno hacía el final del film. Otro de los grandes puntos a su favor son los planos de perfil mientras los personajes están manteniendo conversaciones de alta importancia, haciendo que pierdas la noción del tiempo a favor de la historia. Tarantino es un tipo que te aguanta el plano todo lo que puede, y eso es de agradecer, en una época donde primaba el estilo "le llaman Bodhi" de cámara desenfrenada, escenas alargadas hasta la saciedad o planos ridículamente cortos. En Pulp Fiction todo tiene una duración perfectamente medida, los movimientos de cámara son gráciles y muy comedidos, dejando a veces que el espectador no lo sepa todo, ocultando detalles para favorecer el misterio. Por supuesto hablo del famoso maletín, todos queremos saber que es lo que contenía, pero realmente es mejor para la película, que el espectador no sepa cual es el misterio del mismo, porque aunque buena parte de la trama gira en torno a este objeto, la gracia es ver lo que los personajes están dispuesto a hacer por él.

Otro de los personajes importantes de la película podría decirse que es la continuidad de la misma. Un desorden que no es necesario para contarte la historia pero que crea una composición circular que consigue conectar la escena del principio con la escena del final. Este montaje no lineal es perfecto para impedir que el ritmo decrezca y aumentar el interés mismo del espectador. Otro punto a destacar es la estructura por capítulos, que como casi todo lo que hace Quentin, sin ser novedoso, consigue apropiarse de ello dotando de mucha clase este recurso narrativo.

Como decía, Quentin es capaz de sacar oro de quien sea, y en este film el reparto, no puede ser más espectacular. Sin extenderme demasiado, tenemos a John Travolta, Samuel L. Jackson y Bruce Willis, que son gente con mucha capacidad, gran carisma y buenas dotes interpretativas, pero que si zambullimos en su filmografía, vemos que pocas veces están o estarán como cuando son dirigidos por el cineasta de Tennessee. 

Por otro lado tenemos a Ving Rhames o Uma Thurman que sólo poseen presencia, pero aquí están maravillosos, difícil encontrar una Femme Fatale tan compleja como Mia, o un jefe tan imponente como Marcellus. Nada que aportar sobre las prodigiosas personalidades de Harvey Kietel o Christopher Walken, que obviamente si sumamos dos y dos, salen cuatro.

En resumidas cuentas, Pulp Fiction contiene lo que más me gustas del cine, una buena dirección de cámara un guión repleto de conversaciones chispeantes, un reparto coral donde todos luchan por ser la estrella, con una banda sonora que se mezcla como un perfecto cocktail que hace que cada vez que me pongo mi DVD o mi Blu Ray, paso 2 horas y medía disfrutando de buen cine.

lunes, 26 de agosto de 2013

Juerga hasta el fin (This is the End, 2013) - Seth Rogen y Evan Goldberg


Este proyecto lo conocí buceando en imdb, no recuerdo exactamente que estaba buscando y acabe encontrándome con que esta panda de comediantes hacían una peli donde la premisa es que ellos hacían de sí mismos e iban a una fiesta en casa de James Franco.

Ya me tenían.

Aunque ya los conocía por alguna cosa, estos actores, hijos artísticos del estilo Judd Apatow, no empezaron a ser santo de mi devoción hasta que hace unos 5 años o así indagué en una serie de TV "Freaks & Geeks" de 1999 que me fascinó y encandiló totalmente.

A partir de ahí puedo decir que soy un fan de todos estos nuevos cómicos, su estilo de humor y su forma tan cruda de hacer lo que se denomina "dramedias".

La trama finalmente es la siguiente: Jay Baruchel (Trophic Thunder, Lío Embarazoso), amigo del alma de Seth Rogen, va a Los Angeles a pasar unos días en casa de su amigo, cuando este propone ir a la fiesta de inauguración de la casa de James Franco, donde entre otros estarán, Craig Robinson (The Office - US, Jacuzzi al pasado), Jonah Hill (Supersalidos, Infiltrados en clase) o Danny McBride (Superfumados, Caballeros, princesas y otras bestias), todo gente que Jay desprecia, pero acepta porque parece que a Seth le apetece.

En medio de la fiesta, se desata el Apocalipsis, sobreviviendo de todos los invitados los anteriormente citados y Emma Watson (con una desternillante escena).

Dentro del primer tramo que es la fiesta, asistimos a infinidad de cameos de amigos y compañeros de aquella primera serie como Jason Segel (Como conocí a vuestra madre), y Martin Starr (Adventureland), amigos de profesión posteriores como Michael Cera (Juno),  Christopher Mintz-Plasse (el eterno McLovin), Paul Rudd, los interpretes de The Office y Parks & Recreations, Mindy Kailing y Aziz Ansari... hasta Rihanna se pasa por ahí.

Dando paso a la segunda parte donde esta gente pasa a tener los típicos problemas de convivencia, juntándolo con el estrés que puede causar saber que eres de los poco supervivientes que quedan en la tierra y sin saber a ciencia cierta que narices está pasando, para luego pasar a un tercer acto totalmente alocado y desmadadrado con una resolución divertidísima y un épico epilogo que me hizo casi levantarme del asiento,

La película, siempre y cuando te guste el tipo de humor de esta gente es tronchante desde el primer minuto.

Miles de referencias a las carreras de los mismos causadas normalmente por piques constantes entre ellos, chistes por doquier, lenguaje malhablado, situaciones cómicas provocadas por la extraña situación que están viviendo e incluso infinidad de chistes a costa de la religión.

Todo esto aderezado con el estilo de humor irreverente e ingenioso que imprimen a los textos Seth Rogen y Evan Goldberg, y seguramente con mucho de improvisación de estos genios, a mi modo de parecer al menos.

Una comedia que tiene un ritmo fabuloso, que te mantiene siempre con una sonrisa en la boca, y  que sabe controlar los tiempos entre un chiste y el siguiente. La duración de la misma es otra de sus ventajas, 107 min. que no aburren y tampoco agobian.

Una de las mejores comedias del año, que estoy deseando tenerla ya en mi estantería.

(Me dejo sin revelar los cameos que pueden provocar las mejores sorpresas de la cinta, diciendo sólo los oficiales)

Mi nota totalmente personal: 8.7/10

martes, 20 de agosto de 2013

Elysium (2013) - Neill Blomkamp

Cuando diriges un sleeper de la enorme calidad de Distrito 9, acto seguido los ojos del mundo cinematográfico y de la ciencia ficción en particular se te echan encima. Esperando ver si fue suerte o si se ha descubierto un nuevo valor en alza para el futuro.

En este caso, afortunadamente, con alguna reserva, se puede decir que Neil Blomkamp es lo segundo. Tiene un estilo visual muy determinado y una serie de ideas que le fascinan y quiere plasmar de una forma bastante convincente en pantalla. 

Quiero decir con esto que te guste más o te guste menos, sí entras en su juego, puedes salir de la sala de cine con una sonrisa sabiendo que al menos no has desperdiciado tu dinero.

Cierto es que la película que nos ocupa no es ni mucho menos tan redonda como su predecesora, pero al menos cumple los mínimos y te lo pasas bien.

La premisa de la película nos traslada a una sociedad distópica donde los seres pudientes del planeta tras padecer una clara sobrepoblación deciden construir una estación espacial cercana a la Tierra donde poder seguir tranquilos y tan a gusto como siempre el estilo de vida que ellos pueden permitirse.

El personaje de Matt Damon, habitante de Los Angeles, es un trabajador de una cadena de montaje que sufre un accidente y precisa encontrar el modo de ir hasta dicha estación y usar una de las maquinas medicinales para quitarse toda la radiación que porta dentro.

Niel Blomkamp no olvida el estilo que le ha proporcionado la fama y continua trasladando tanto el estilo visual como el diseño de producción de su opera prima, incluso pareciendo que puedan coexistir ambas cintas en el mismo universo.

Para mi  la gran ventaja de esta cinta es el diseño. El diseño de todas y cada una de las maquinas, robots, armaduras y exoesqueletos que llegan a usar los personajes. Usando un estilo retrofuturista de tecnología muy sucia que queda muy bién en pantalla. Contrastando con el mundo de la estación que es blanco, iluminado, de tonos vivos donde todo da la sensación de nuevo y de funcionar a la perfección.

En definitiva, Blomkamp es un tipo que le da mucha importancia a que toda la ambientación de sus historias no tenga fisuras. Un excelente creador de mundos futuros pesimistas, que sabe trasladar su idea visual de buena forma a la película. En este sentido no hay nada que objetar, todo está bien medido, es más, con un par de escenas, tú ya te pones en situación de como es el mundo que te propone el director.

En su contra, hay que decir que la historia se queda más floja, los personajes si que tienen objetivos claros y están bastante más definidos, pero se mueven como marionetas al antojo de lo que te quiere contar su director, encontrando algunos agujeros en la trama que no son demasiado sangrantes. Perdonándolo porque el conjunto de lo que estas viendo queda bastante resultón.

Más cosas criticables, la nueva modas de cámara en mano, un lastre de este siglo heredado de la saga Bourne. En ocasiones la cámara está tan loca que el descontrol es apabullante, y como no tengas el día puedes acabar mareado. Y la banda sonora, siendo funcional a veces, y en otras demasiado deudora de las partituras de Origen, otra moda que está haciendo que los compositores se esfuercen menos, personalmente me canso de siempre escuchar el sonido típico en casi todas las cintas de genero.

Por último, el reparto está bastante correcto, nada que objetar, destacando a Sharlto Copley como villano pasado de rosca, sus apariciones son de lo mejor de la cinta, dejando en segundo plano a Matt Damon, Jodie Foster y a un personaje algo florero como el de Alice Braga, como siempre muy mona, pero poco más.

Una buena opción para pasar una velada de cine fantástico.

Mi nota totalmente personal: 7.8/10


lunes, 19 de agosto de 2013

Pacific Rim (2013) - Guillermo del Toro

Como dice la rana Gustavo: "No es fácil ser verde", pero desde luego otra gran verdad es que no es fácil ser Guillermo del Toro.

Del Toro es un director muy imaginativo, un director que le fascina lo fantástico, cuida todo detalle de los aspectos visuales de los personajes y del mundo que los rodea. Amante confeso de Lovecraft y de los monstruos en general. Un director que impone el maquillaje clásico y los animatronicos ante la postura general del uso del CGI. 

Un director que por los motivos que sean llevaba desde 2008 sin haber dirigido nada, habiendo entrado en infinidad de proyectos que se han quedado en agua de borrajas.

Desde una serie de acción real para Marvel Studios sobre Hulk, una nueva adaptación de la Bella y la Bestia, El Hobbit, Halo, su ansiado proyecto de Las montañas de la locura, Hellboy III, y más recientemente ha sonado para dirigir La liga de la Justicia Oscura.

El encargado de llevar su cuenta de la imdb debe ser el tipo con más faena del mundo.

Lo que estaba claro es que este hombre necesitaba ya trabajar en algo, cierto es que ha escogido un encargo para salir del paso, pero dentro de los encargos que tendría al alcance de su mano ha elegido uno que puede cumplir muchas de sus filias personales.

Sí eres amante o aficionado a Evangelion, Mazinger Z, Godzilla, o cualquier tipo de serie de Mechas o cine de Kaijus, está película te encantará

La trama no es muy distinta a lo que os podáis imaginar: robots gigantes contra monstruos gigantes destruyendo ciudades sin contemplaciones dentro de una historia que no es demasiado compleja pero sí muy funcional.

Hay una brecha en las profundidades marinas que es un portal interdimensional hacía otros mundos desde la cual están entrando seres gigantescos, Kaijus, para atacarnos, tras el cuarto monstruo las diferentes naciones se unen en una alianza sin precedentes para crear el proyecto Jäger, Robots de enormes proporciones conducidos por dos pilotos cada uno para hacer frente al mal que nos acecha.

La película no tiene ningún pero, desde el minuto 1 es altamente entretenida, empezando con flashback muy completo para ponernos en situación de como está este mundo que propone del Toro, y explicándonos el porqué de que deben de haber dos pilotos por Jäger, entre otras cosas.

Tras esto ya empezamos viendo una descomunal batalla que nos da todo lo que podíamos imaginar e incluso un poquito más. A partir de aquí, ya vamos viendo como el proyecto Jäger pasa de ser la ofensiva del mundo a ser la resistencia, viendo multitud de personajes muy bien creados y definidos, sobre todo visualmente, siendo mis favoritos los pilotos rusos y los científicos encargados de diseccionar e investigar los Kaijus, interpretados por Charlie Day y Burn Gorman

Y aunque quizá viendo los trailers pareciera que este film pudiera ser de Michael Bay, Roland Emmerich o similares, viendo la película sí que somos conscientes de que es una cinta muy del Toro. Quizá no tanto a nivel de dirección, pero sobre todo a nivel de diseño de personajes, monstruos y sobre todo a nivel de guión, destacando las escenas con los científicos o el mercado negro de Hong Kong, donde vemos a dos habituales del cine de este hombre, Ron Perlman y Santiago Segura.

La película adapta muy bien ese estilo anime que necesitaba el proyecto, entremezclado con casi todas las filias de este hombre que harto de esperar parece haber dado todo de sí para que quien se acerque a ver su película no salga decepcionado.

A nivel de actores ninguno destaca demasiado, quizá los ya citados e Idris Elba, quien encarna a la perfección al general serio curtido en mil batallas que siempre mantiene su tono firme. Dando mucha presencia al mismo.

Una perfecta cinta de verano para pasarlo bien y disfrutar del espectáculo.

Mi nota totalmente personal: 8/10

miércoles, 14 de agosto de 2013

Cruce de caminos (The Place Beyond the Pines, 2012) - Derek Cianfrance

Con cerca de un año de retraso y varias fechas de estreno aplazadas en españa, llega la esperada, al menos para mi, siguiente película del tándem Gosling-Cianfrance, quienes ya coincidieron en la cruda historia de amor y excelente film Blue Valantine (pese a ser de 2010 se estrenó en nuestro país hace escasos meses).

En las redes, tras los primeros trailers, injustamente se ha llamado a esta cinta "Drive con motos", un sobrenombre que no podría ser más erróneo, ya que las únicas similitudes que puedo encontrar son que Ryan Gosling en un momento dado trabaja en un taller reparando motores y que este es bueno en la conducción, en este caso conduciendo una moto.

Lo primero que me ha sorprendido del film ha sido ver que se trata de una historia que está dividida en tres historias muy diferenciadas, incluso con protagonistas distintos en cada una de ellas.

De una forma curiosa el protagonismo se va cediendo de un personaje a otro con transiciones bastante bien realizadas, sin ser abruptas y en ambas ocasiones con un simple movimiento de cámara al encontrarse un personaje con el siguiente, de una forma muy fluida.

Empezamos la película viendo al extremo personaje que interpreta Ryan Gosling, un conductor de motocross acróbata que se dedica a hacer un peligroso espectáculo en un circo ambulante que va cruzando Estados Unidos. Allí vemos como se reencuentra con con Romina (Eva Mendes), una mujer que conoció el año pasado en su anterior visita al pueblo de ella, y al parecer dejó embarazada.

Desde el inicio de la cinta hasta este descubrimiento no nos cuentan demasiado de este personaje, Luke, pero mediante estas pocas escenas, y los siguientes actos del acróbata de motocross, sí que nos podemos llegar a hacer una idea del tipo de vida que llevaba, y de la que quiere llegar a tener. Sabiendo que hará todo en cuanto esté en su mano para procurarle a este niño lo mejor que pueda darle, haciendo lo que sea necesario para ello.

Ideas que nos llegan a los espectadores a través de una dirección bastante buena, y sobre todo una creación de personajes excelente que empieza desde un guión que lo tiene todo pensado, pasando por una interpretación y diseño de vestuario muy logrados, llevándose la palma obviamente, Ryan Gosling, un actor que transmite muchísimo con la mirada, y que realiza representaciones muy de la vieja escuela.

Eva Mendes no se queda muy atrás y le da la replica de forma muy solvente. Pero a un nivel intermedio estaría Ben Mendelsohn con su personaje de Robin, interpretando al compañero de fechorias y amigo de Luke de forma muy convincente.

No siempre es así, pero cuando se trata de películas corales o con diferencias de capítulos muy marcados, se corre el riesgo de que unas te parezcan más interesantes que otras.

En este caso, la segunda parte del filme nos lleva hasta Avery Cox (Bradley Cooper) un policia que después de convertirse en un héroe local es testigo de la corrupción de su departamento y empieza a luchar contra ello desde dentro. Aparte de ser una trama menos interesante y mucho más manida, este segmento carece de la buena dirección que estábamos visionando, incluso llega a tener cortes extraños donde no somos demasiado conscientes del devenir de algunos de los personajes.

Por suerte el bajón no es demasiado grande, el ritmo sigue siendo bueno y sigues interesándote en conjunto por la historia. Tras esto, somos testigo de la última parte de la trama que une el conjunto de la misma, con un increíble Dane Dehaan (visto en Chronicle, reseñada aquí) quien protagoniza los mejores momentos de dicho segmento, tanto por su personaje como su actuación. Desde luego se está convirtiendo en un valor en alza, acompañado por un correcto, sin más, Emory Cohen.

En conjunto es una película muy interesante alejada del popularísimo de Hollywood.

Mi nota totalmente personal: 7.7/10

martes, 13 de agosto de 2013

Killing Season (2013) - Mark Steven Johnson

Casi dos años desde que apareció en las redes un teaser póster de esta película, donde se daba más importancia a la figura de Mark Steven Johnson, junto al texto: "Director de Daredevil y Ghost Rider", ha llegado ya su película intimista.

La premisa es la siguiente, Emil Kovac (John Travolta) un Serbio que luchó en la guerra de Bosnia, lleva 15 años buscando al soldado americano que falló el tiro que debía matarlo al ejecutarlo para vengarse.

Este soldado, Benjamin Ford (Robert De Niro), hoy día vive en una cabaña en medio de la nada, apartado de la sociedad. Ya el estar cansado de la guerra y de sus consecuencias puede ser un motivo de peso, pero el guionista se saca de la manga con una escena al principio de la pelicula, otro motivo más, también está apartado de su familia ya que su mujer se casó con otro hombre y este, por no querer, no quiere ni ir al bautizo de su nieto.

Uno podría esperar, por los actores seleccionados, un film marcado por una batalla dialéctica, donde ambos personajes pudieran medir sus dotes interpretativas. Y pese a que ninguno de los dos está pasando por su mejor momento, estoy convencido que un guión solvente y un buen realizador todavía puede sacar oro de estos dos grandes del celuloide.

La muestra de que ese tipo de cosas se pueden hacer es el film de la HBO The Sunset Limited, donde dos personas dialogan a través de todo el metra je sin que en ningún momento se te pueda hacer pesado o largo.

Volviendo a Killing Seasons, desde luego, aunque él está convencido de que si, Mark Steven Johnson no es un director de matices, aunque hay que alabar que ha depurado su estilo, dejando atrás el formato videoclipero de sus anteriores obras.

Entre sus grandes logros está el poner un filtro color sepia para las escenas bélicas de los flashbacks, cadáveres digitales y mucho croma innecesario. Mark debe ser el clásico tipo que piensa: "¡¿Como harían esto antes de los ordenadores?

Pese a que en ningún momento piensas que la película pueda remontar, es cierto que al menos los primeros minutos guardan algo de dignidad. E incluso las primeras escenas están hasta bien, sobre todo el encuentro entre los protagonistas en medio del bosque, y la posterior cena en casa del veterano soldado norteamericano.

A partir de aquí el film se transforma en lo que de verdad quiere rodar el director, y es una película de dos hombres cazándose entre si, intercalando en varias ocasiones los roles de cazador/presa. Entre medio asistimos a una visita por parte del hijo del personaje de Robert De Niro junto a su mujer y su nieto que no sirve absolutamente para nada, ni siquiera para complicar la trama o crear un mínimo de tensión.

Aunque para mi la escena clave, es una en la que uno de los personajes mantiene al otro atado a una mesa, mientras habla de forma molona mientras está haciendo una limonada natural para torturar a su enemigo. El resultado final de dicho invento no deja de ser un sketch de Tip y Coll.

En cierta manera la cinta me ha recordado a la entretenida sin más La Presa, donde al menos la caza entre ambos combatientes y los motivos eran medianamente creíbles.

Mark Steven Johnson ha querido ir de listo, con un guión torpe lleno de diálogos muy chorras. Una película que hubiera sido la mar de "disfrutable" si no se hubiera tomado en serio y hubiera sido interpretado por gente del calibre de Michael Jay White o Dolph Lundrgen. Al menos nos hubiéramos echado unas risas por el despropósito. O por el contrario si hubiera llegado a manos de un director con la capacidad de dirigir bien.

Para ir finalizando, el nivel de actuación deja bastante que desear. John Travolta anda muy disfrazado, con una peluca que parece un gorro de baño y una barba falsa a lo Lincoln (con lo imponente que estaba en Desde París con Amor... ¿Por qué no acepta su calvicie?). Aspecto aparte, el problema está principalmente en que no está dirigido. Durante los primeros minutos no está mal del todo, incluso con el acento del este con el que dota a su personaje, pero conforme el metraje va avanzando notamos que se le está yendo de las manos y acaba convirtiéndose en una loca. 


En lo que respecta a su compañero, Robert De Niro simplemente está en pantalla, con la cara standard que lleva poniendo los últimos años, tan neutro que hasta duele verlo.

Mi nota totalmente personal: 3/10